jueves, 4 de diciembre de 2008

jueves, 27 de noviembre de 2008


El término bajo proviene del hecho de ser el instrumento que reproduce las frecuencias más graves del espectro sonoro. El bajo se utiliza ampliamente en los más diversos tipos de música: funk, jazz, blues, rock, metal, pop, country, salsa, merengue, bachata, reggae, clásica, punk, etc.
La importancia de este instrumento en un conjunto radica en que produce sonidos en armonía con la música y, al mismo tiempo, un efecto rítmico. Sin embargo, también logra cierta importancia en el área melódica y como instrumento solista (o con un papel más destacado en la banda) según el estilo que se interprete, por lo que no es meramente un "instrumento de base".
A diferencia de la guitarra que es ejecutada normalmente con uñas, dedos o con plectros de plástico, el bajo generalmente se toca con la yema de los dedos. Aun así, hay otras manera de ejecutarlo, destacándose el slap golpeándolo con el dedo pulgar, el pop estirando o pellizcando (pizzicato) las cuerdas, usando las yemas de los dedos, o el tap, apoyando las yemas de los dedos sobre las cuerdas contra el diapasón. También se puede tocar con púa, e incluso a veces se utilizan palos o varas metálicas para golpear las cuerdas.



El bajo nació como un instrumento musical eléctrico de cuatro cuerdas, un híbrido entre la guitarra y el contrabajo, tal como lo explica su nombre original: guitarra baja (en inglés "bass guitar"). Es un instrumento relativamente 'joven', considerando que su creación data de mediados del siglo XX.
Hasta hoy en día el instrumento ha vivido varios cambios en su evolución; se ven con mayor cantidad de cuerdas (partiendo de 4, pueden encontrarse de 5, 6 y ocasionalmente de 7), y con mayor cantidad de divisiones o trastes (hasta 24, generalmente; existen mayores), aunque hay una variedad que no los posee, y se los denomina "fretless" (literalmente del inglés, "sin trastes"). Estos conservan un "toque" comparable al que se tendría con un contrabajo. También del mismo ya han evolucionado incluso otros instrumentos, como el stick.
En la música clásica el instrumento utilizado casi exclusivamente es el contrabajo (que por el hecho de ser acústico no siempre necesita amplificación y depende de una acústica adecuada del recinto para ser correctamente apreciado).El bajo a pesar de que es un instrumento de cuerda es considerado como instrumento de percusión, ya que el lleva el tiempo y acompaña a la percusión.








El bajo eléctrico está construido de manera similar que una guitarra eléctrica. Dispone de una base sólida, en la que están fijados uno de los extremos de las cuerdas. Debajo de las cuerdas se encuentran unas pastillas electromagnéticas (fonocaptores), que captan la vibración de las cuerdas, la traducen a una señal eléctrica y la envían a través de la línea (cable) al amplificador o a los altavoces. Según el modelo, posee unas perillas giratorias (potenciómetros) que sirven para ajustar el volumen general o de cada cápsula, el nivel de graves, medios y/o agudos (también llamado tono -en inglés tone-), y para controlar efectos que se le puedan aplicar.


El primer modelo fue denominado Fender Precision Bass, y no por casualidad: frente a los contrabajos (que poseen el diapasón completamente liso, como un violín, donde el ejecutante debe tener una técnica bien desarrollada para producir alturas afinadas), el nuevo instrumento incorporaba trastes para saber exactamente dónde ubicar los dedos, lo que permite lograr una altura correcta. Este sistema de trastes entra en el principio de los instrumentos "bien temperados". Los instrumentos bien temperados alteran la afinación natural de cada tonalidad, ya que en diferentes tonalidades las notas no son exactamente iguales. Estos instrumentos fretless (así como la voz), si son ejecutados con maestría, son más precisos que los instrumentos temperados (como el piano, la guitarra y el bajo entre otros). El bajo con trastes es un instrumento diferente, que hace entrar el bajo en otra familia de instrumentos.
Otro cambio fundamental que representa el bajo eléctrico es el de la amplificación del sonido. En los instrumentos acústicos, el volumen sonoro de un instrumento depende de la longitud y grosor de las cuerdas y el tamaño y la forma de la caja de resonancia. Por lo tanto, un instrumento como el contrabajo necesitaba ser enorme (debido a la baja frecuencia de sus sonidos) para ser percibido con nitidez por el oído humano. En un bajo eléctrico, en cambio, al poner unas pastillas (o micrófonos) que capten la señal, ésta puede ser amplificada electrónicamente.
Después del bajo Precision vinieron otros modelos como el Jazz Bass, que junto al Precision Bass hicieron la serie estándar de Fender, el clásico Mustang Bass y los grandes bajos Dimension Bass y Zone Bass con sus múltiples variaciones.







El cuerpo de un bajo suele estar hecho de madera y la elección de la misma es muy importante en el sonido del instrumento (Cabe aclarar que existen cuerpos y mástiles de grafito - Steinberger, Modulus Graphite - y algunos de acrílico o compuestos plásticos). Actualmente se emplean (limitando la lista a maderas) sobre todo haya, roble,fresno,caoba,olmo, abedul,aliso,arce (en inglés, "maple") y tilo americano para el cuerpo y arce, palo rosa, palo ferro y ébano para el mástil, entre otras varias maderas americanas, así como una amplia gama de maderas africanas, como la bubinga o el wenge.
La madera de chopo es la más suave y tiende a "absorber" el sonido. El aliso es una buena madera de bastante peso utilizada para sacar sonido con garra de registro medio, el típico sonido del Precision; el tilo americano está entre los dos anteriores y es muy ligero, lo que repercute en la resonancia general de las cuerdas.
En cuanto al mástil, la madera de palo de rosa es la que produce un sonido más cálido; la de palo-ferro suena muy parecido; el arce es un poco más brillante y el ébano combina la calidez del palo de rosa y la brillantez del arce, para un sonido más equilibrado.
El mástil puede estar atornillado al cuerpo (bolt-on), o puede ser del tipo neck-thru body (cuando el mástil y el cuerpo están hechos de un mismo trozo de madera). La ventaja de este último es que permite que la vibración del sonido se transmita uniformemente y sin variaciones del mástil al cuerpo, para que allí sea recogida por las pastillas del mismo modo.




Las cuerdas de bajo se afinan en mi, la, re y sol (para un bajo de cuatro cuerdas, contando desde la cuerda más gruesa -arriba- hasta la más fina). Para el bajo de cinco o seis cuerdas se agregan cuerdas afinaciones en si (grave) y do (agudo) respectivamente, aunque no es extraño encontrar otras afinaciones.
Hay tres tipos básicos de cuerdas para bajo: roundwound, flatwound, halfwound. Las "roundwound" son las más comunes, de 'entorchado' o enrollado circular alrededor de un alma de material resistente, normalmente acero. Estas dan un sonido brillante que se sostiene por más tiempo después del pulsado de la cuerda (sustain). Por el contrario, las "flatwound" son de entorchado plano y entregan un sonido más apagado y con menos "sustain". Las "halfwound" no se utilizan tanto como los dos tipos anteriores y son un híbrido, ya que tienen la mitad superior de la cuerda de entorchado plano y la inferior de entorchado normal. Hay otros tipos de cuerda menos usados, como las groundwound, cuerdas de entorchado circular a las cuales se les ha lijado el mismo hasta dejarlo plano, o las tapewound, cuerdas de entorchado circular recubiertas generalmente de nylon, lo cual contribuye a darles un sonido más oscuro y un tacto más agradable, parecido al de las cuerdas de entorchado plano.
A un bajo sin trastes ("fretless") es recomendable ponerle cuerdas flatwound, de lo contrario la fricción dañaría la madera del mástil. Para bajos con trastes suelen utilizarse las "roundwound" sin mayor problema, aunque también pueden usarse "flatwounds" para probar un sonido más oscuro, como hacen muchos bajistas de country. Desde luego, para tocar slap o conseguir un sonido metálico son más apropiadas las "roundwound".
También las cuerdas poseen un grosor específico por lo cual al ser pulsadas, dan un sonido característico; para la primera cuerda (más delgada) el grosor normal es: 0,04 " (1 mm), para la segunda cuerda es: 0,06 " (1,5 mm), para la tercera cuerda: 0,08 " (2 mm), para la cuarta cuerda: 0,1 " (2,5 mm) y para la quinta cuerda es: 0,13 " (3,3 mm); aunque puede variar su grosor dependiendo su uso; por ejemplo: se usan cuerdas más delgadas para slap, ya que estas poseen un grosor mucho más apropiado para esta técnica.

viernes, 21 de noviembre de 2008

Teclado y piano


PIANO


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El piano es un instrumento musical clasificado como instrumento de teclado de cuerdas percutidas por el sistema de clasificación tradicional y según la clasificación de Hornbostel-Sanchs, el piano es un cordófono simple. El músico que toca el piano recibe el nombre de pianista.

Está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado, mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro produciendo el sonido. Las vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que los amplifica. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue inventado en torno al año 1700 por el paduan Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín.

A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos, pero los más comunes son el piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del piano es un factor primordial en la acústica del instrumento y se realiza modificando la tensión de las cuerdas de manera que éstas vibren en las frecuencias adecuadas.

En la música occidental, el piano se puede utilizar para la interpretación solista, para la música de cámara, para el acompañamiento, para ayudar a componer y para ensayar. Las primeras composiciones específicas para este instrumento surgieron alrededor del año 1732, entre las que destacan las 12 sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti. Desde entonces, muchos han sido los compositores que han realizado obras para piano y en muchos casos esos mismos compositores han sido pianistas, destacan figuras como Frédéric Chopin, Franz Liszt o Ludwig van Beethoven. Fue el instrumento representativo del romanticismo musical y ha tenido un papel relevante en la sociedad, especialmente entre las clases más acomodadas de los siglos XVIII y XIX. Es un instrumento destacado en la música jazz.

La palabra "piano" deriva del nombre original en italiano del instrumento, pianoforte (piano: "suave" y forte: "fuerte"), asignado por su primer constructor, Bartolomeo Cristofori: clavicémbalo col piano e forte (literalmente "clavecín con [sonido] suave y fuerte"). Esto se refiere a la capacidad del piano para producir sonidos con diferentes intensidades, dependiendo del peso que se le aplica a las teclas. Esta característica, lo diferenciaba de sus predecesores, que solo podían producir un único volumen.

El funcionamiento básico del mecanismo un piano es el siguiente: cuando una tecla es pulsada, la palanca que está situada en el extremo opuesto se eleva y el macillo asociado a ella se pone en movimiento en dirección a la cuerda que es liberada por el apagador justo antes de la percusión. Tras el golpe del macillo a la cuerda se produce el sonido y acto seguido éste cae hasta ser recogido por la grapa, también conocida como atrape, a una distancia aproximada de 2 centímetros. Al levantar lentamente la tecla, ésta libera el conjunto de palancas del escape y el macillo vuelve a estar disponible para volver a tocar la cuerda. Si retiramos la presión por completo, todo el sistema vuelve a su estado inicial de reposo en el que el apagador tiene la misión primordial de interrumpir el sonido.

El macillo es un elemento muy importante en la generación del sonido del piano, ya que su función es percutir la cuerda, producir el sonido y modular su intensidad y timbre. Los primeros pianos tenían macillos compuestos por un núcleo de madera recubierto de varias capas de piel cuya dureza disminuía progresivamente desde el interior, con pieles duras como el cuero, al exterior, con pieles finas y delicadas. Los macillos del piano moderno están fabricados con lana prensada sobre un núcleo de madera. La forma en la que está prensada la lana del macillo influye directamente en la calidad tímbrica del instrumento. Un martillo blando permanece más tiempo en contacto con la cuerda al percutirla que un martillo duro, que rebota más rápidamente. Este hecho hace que la producción de los armónicos varíe por parte de la cuerda y afecte a la brillantez del sonido.


Teclado



Prácticamente todos los pianos modernos tienen 88 teclas, 36 negras y 52 blancas. El número de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo. En el siglo XVIII los clavecines tenían poco más de 61 teclas (hasta cinco octavas), mientras que la mayoría de los pianos fabricados desde 1870 tenían 88 teclas.

Los pianos modernos tienen un registro de siete octavas y una tercera menor, es decir, desde la-2do7. Sin embargo, muchos pianos tienen un registro de siete octavas (85 teclas), es decir, desde la-2 hasta la6 y algunos fabricantes amplían su registro hacia alguno de los dos extremos, el agudo o el grave. Por ejemplo un piano Bösendorfer 225 tiene 92 teclas y un Bösendorfer 290 Imperial tiene 97. Los órganos generalmente tienen 61 teclas por "manual". hasta

El peso de las teclas es un factor muy importante del teclado de un piano. En un piano acústico (de cola o vertical), el peso de las teclas está directamente relacionado con el mecanismo de percusión del macillo, que golpea la cuerda dentro de la caja de resonancia. En un piano electrónico la sensación de peso que tiene lugar en los pianos acústicos es reproducida mediante un mecanismo de martillo debajo de cada tecla.


Tipos de pianos

Un piano de cola es un tipo de piano en el que las cuerdas y la caja de resonancia se encuentran en posición horizontal. Los pianos de cola tienen una tapa superior que se puede abrir, de manera que los sonidos producidos por las cuerdas salen al exterior sin barreras de ningún tipo.

Su tamaño puede variar dependiendo del fabricante y tipo de piano de cola fabricado, pero suelen oscilar entre los siguientes valores:

  • Piano de cola mignon: hasta 130 cm de longitud.
  • Piano de un cuarto de cola. De 131 hasta 189 cm de longitud.
  • Piano de media cola. De 190 hasta 225 cm de longitud.
  • Piano de tres cuartos de cola. De 226 hasta 255 cm de longitud.
  • Piano de gran cola. Superiores a 256 cm de longitud.

Todas las fábricas de pianos producen pianos excepcionales artcase. Algunos sólo poseen decoraciones o modificaciones espectaculares de los pianos ordinarios como pies trabajados, marquetería, pintura o revestimiento. Otros son modificaciones radicales como el Pegasus de Schimmel o M. Liminal diseñado por NYT Line y fabricado por Fazioli.

Piano vertical o piano de pared


El piano vertical se caracteriza por tener las cuerdas, los macillos y la caja de resonancia en posición vertical, perpendicular al piso.

De modo general se pueden dividir entre cuatro tipos distintos dependiendo de su tamaño:

  • Piano vertical espineta: el más pequeño en su categoría con un sonido característico, piano de máquina indirecta (quiere decir que el mecanismo se encuentra por debajo del teclado). Su altura es menor a 98 cm.
  • Piano vertical consola: son pianos de máquina directa, es decir, el mecanismo está al mismo nivel del teclado. De 98 a 109 cm de altura.
  • Piano vertical de estudio: son pianos de máquina directa, con el mecanismo un poco más elevado del nivel del teclado. Esta característica proporciona al intérprete una mayor seguridad. De 110 a 139 cm de altura.
  • Piano vertical antiguo: son pianos con una gran capacidad acústica, de máquina directa aún más elevada que el piano de estudio. Su medida de altura es muy variable dependiendo del fabricante pero suele tener más de 140 cm de altura.

Piano electrónico


El piano electrónico es una invención del siglo XX. Tiene la misma apariencia del piano. La diferencia es que el sonido proviene de medios de síntesis electrónica. Además, puede reproducir el s

onido de diferentes instrumentos y muchas veces incorpora canciones y ritmos predeterminados.

Los ritmos que vienen incorporados sirven para tocar los acordes con una sola tecla en diferentes estilos. Algunas tienen todo un sistema educativo, como el Yamaha Education System, el sistema de aprendizaje de Casio o el DoReMi de Roland. Con estos sistemas educativos se pueden aprender canciones, porque el sistema indica la tecla a presionar. Se pueden practicar fragmentos de canción, inclusive. Algunos modelos traen incorporado un metrónomo para poder sincronizar exactamente con la velocidad de la melodía.

El intérprete puede guardar canciones tocadas por él mismo, para volver a escucharlas después. También puede grabar la melodía para cada mano independientemente. Hay variedades que son sensibles al tacto, es decir, detectan la fuerza con que son presionadas las teclas, como en un piano real y actúan en consecuencia, reproduciendo el sonido con mayor o menor fuerza, según el caso.

Existen teclados electrónicos que cuentan con una pantalla LCD en la que se puede apreciar el pentagrama, la nota presionada (en un teclado dibujado) y las canciones. Tienen accesorios opcionales como el pedal y el cable para conectarse con un ordenador y se pueden transferir canciones a través del mismo. También se pueden enviar canciones desde el teclado hacia el computador por medio de un software de autoría de MIDI (MIDI authoring). Otros accesorios son el atril para colocarla y la base para las partituras.

La calidad de su sonido no es la misma de un piano normal y la fuerza con que se tocan las teclas también es diferente, aunque su precio es mucho menor.



TECLADO


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El teclado es la parte o sección frontal de un instrumento musical, sección provista de teclas y destinada a ser accionada por medio de los dedos de las manos. Por extensión, teclado se aplica comúnmente a todo instrumento musical provisto de teclado. Al presionarse las teclas, el instrumento produce sonidos por medios acústicos, electrónicos o electromagnéticos, según el caso, y dichos sonidos ejecutados a lo largo del tiempo generan melodías. En ocasiones se ejecutan de manera simultánea generando acordes, que a lo largo del tiempo generan una armonía musical.

Está compuesto por un conjunto de teclas adyacentes, negras y blancas. El intervalo entre teclas adyacentes es de un semitono, y entre dos teclas corresponde a un tono. Un intérprete de instrumentos de teclado es un teclista. El término tecladista es usado, pero no reconocido por la Real Academia de la Lengua.


Los teclados musicales están diseñados en base a la afinación occidental. Las notas naturales de la escala de do (do, re, mi, fa, sol, la, si) son blancas y de mayor tamaño, mientras las correspondientes a los sostenidos (do#, re#, fa#, sol#, la#) o bemoles (reb, mib, solb, lab, sib) son negras y un poco más pequeñas. La organización convencional de las notas en el teclado data del siglo XV, aunque la idea de teclado puede rastrearse hasta el siglo III ,con el hydraulis (órgano de agua griego).

El número de teclas en los teclados se ha incrementado con el tiempo. En el siglo XVIII los clavecines tenían hasta cinco octavas (poco más de 61 teclas), mientras que la mayoría de los pianos fabricados desde 1870 tenían 88 teclas. Algunos pianos modernos tienen algunas teclas más (por ejemplo un Bösendorfer 225 tiene 92, y un Bösendorfer 290 Imperial tiene 97 teclas). Los órganos generalmente tienen 61 teclas por “manual”. Los sintetizadores tienen por lo general 61, 76 u 88 teclas (casi 5, 6 o 7 octavas, respectivamente).

El número de teclas negras y blancas puede variar según el fabricante, y según el modelo de teclado. Por ejemplo, un teclado de 5 octavas de la empresa Yamaha vienen con 61 teclas (36 blancas y 25 negras); en cambio un teclado Casio de 5 octavas tiene 59 teclas (34 blancas y 25 negras).


Los instrumentos de teclado pueden ser:

  • Instrumentos de viento (órgano, acordeón)
  • Instrumentos de cuerda (clave o clavecín, clavicordio, piano)
  • Instrumentos electrónicos (órgano eléctrico, sintetizador)




jueves, 20 de noviembre de 2008

La Suerte de Mi Vida- El Canto Del Loco

El Canto del Loco - Peter Pan

I Kissed A Girl- Kate Perry

Bateria

Los instrumentos de percusión son considerados los más antiguos de los instrumentos musicales. El origen de la batería radica en la unión, allá por 1890, de unos cuantos instrumentos: los tambores y los timbales, que surgen de África y China, los platos, que derivan de Turquía y también de China, y el bombo, de Europa. Por entonces, se comenzó a popularizar en los bares estadounidenses.

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En el siglo XIX los músicos románticos comenzaron a utilizar grupos («baterías») cada vez más grandes, que fueron utilizados a principios del siglo XX. Antes de que todos los instrumentos fueran unidos y mientras su unión no era popular, eran tocados por varias personas(entre 2 y 4), cada una de las cuales se encargaba de alguno de los intrumentos de percusión. Con la invención del pedal o pie de bombo (primero, de madera; después, de acero), en 1910, algunas de estas personas se tornaron inútiles, ya que una sola podía controlar varios instrumentos a la vez. Desde los años sesenta la batería comenzó a ser muy usada en el rock, con la gran proliferación de conjuntos musicales.


Han alcanzado gran renombre y perfección las baterías, algunas de estas también son reconocidas por su intervención en el mercado de la percusión como DW, RMV, PEARL entre otras

  • Acuarian
  • Ashton
  • DDrums
  • Drum Workshop mejor conocida como DW,que fabrica también las marcas Peace, Drums y PDP,
  • Gretsch
  • Honsuy
  • HawkDrums
  • Ludwig
  • Evolution
  • Mapex
  • New Power Drums
  • Custom
  • Pearl
  • Premier
  • Remo
  • RMV
  • Roland,(en el mercado de las baterías electronicas)
  • Slingerland
  • Sonor
  • Orange County
  • Tama
  • Trixon
  • Yamaha
  • PDP
  • Century


Composición de una batería


La batería está compuesta por un conjunto de tambores, comúnmente de madera, cubiertos por dos parches, uno de golpeo (en la parte superior) y otro resonante (en la parte inferior). Estos pueden variar su diámetro, afectando al tono, y la profundidad, variando la sensibilidad sobre el parche de resonancia. Además la batería también es acompañada por los imprescindibles platos, y otros accesorios . La batería se puede afinar con una llave de afinación. Mientras más tenso el parche, más agudo el sonido, y viceversa.


http://www.discosom.com/loja/images/_products/bateria%20yamaha%20stage%20custom%20advantage%20nouveau.jpg

Piezas


Bombo: usualmente tiene un diámetro desde 18 hasta 26”, y una profundidad entre 14” y 22”. El más usado es el de 22×18”. El bombo también se puede manejar con un doble pedal

Caja o redoblante: suele tener un diámetro de 14”, pero los hay desde 10” a 17”. La profundidad estándar es 5,5”, pudiendo variar desde 3,5” (piccolo) hasta 8,0”. A diferencia de los otros tambores, la caja posee una bordonera o conjunto de alambres que, colocada en contacto con el parche de resonancia, produce su vibración por simpatía y el característico sonido a zumbido de la caja.
Tom toms o toms: desde 6” hasta 14” de diámetro. Generalmente van montados sobre el bombo, pero si se usan más de dos, llevan soportes adicionales.

Tom base o floor tom (Goliat): desde 14” hasta 18” de diámetro. Generalmente poseen patas individuales, pero algunas veces permiten ser anclados a un soporte de plato.

Generalmente los tambores están fabricados de madera y el tipo, calidad y grosor de ésta influyen en la calidad del sonido producido.


Platos

  • Crash: plato mediano de 14” a 20”. Se utiliza para dar énfasis en los pasajes musicales y para algunos ritmos.
  • Ride: plato grande cuyo diámetro varía entre 17” y 24”, aunque hay marcas a modo de curiosidad que los fabricaron hasta de 32”. Los más comunes son los de 20” y 22”. Muchas veces se usan para llevar el ritmo en sustitución del hi-hat.
  • Splash: plato pequeño que varía de 6” hasta 12”. Se usan para efectos especiales, comúnmente en pasajes de poca intensidad sonora.
  • China: se fabrican desde 10” hasta 22”. También existe el splash-china, de 8” a 12”. Se usan para efectos. Su diseño es característico pues son colocados del revés.
  • Crash ride (medium): plato mediano-grande de 18” o 20”. Hay gente que los usa como Crash y como Ride, y gente que los usa solo como Crash, debido a su mayor potencia.
  • Heavy: plato grueso con un sonido intermedio entre crash y china. Se fabrican de 16” o 18”. Utilizado como un ride de sonido potente
  • Hi-hat o charleston: sistema que consta de 2 platillos instalados en un soporte con pedal que permite que uno caiga sobre el otro haciéndolos sonar. Se fabrican de entre 10” y 16”. El más común es el de 14”. Puede ser normal o edge (borde); este último consiste en que el platillo que va abajo (bottom) tiene un borde corrugado que da un sonido mejor para ciertos géneros. El charleston se puede tocar cerrado y abierto, usando el pedal.

Las configuraciones de tambores y platos se hacen a gusto del baterista. Por tal motivo varían los tamaños y formas e incluso marcas, ya que cada una de ellas brindan un sonido único y fácilmente característico.


Baquetas

La batería se toca con baquetas o con escobillas Las baquetas varían según el material (madera, fibra o aluminio [ahead]), grosor, longitud, tipo y material de punta y peso para tocar con mayor o menor rapidez, con mayor o menor potencia, o con diferentes tonos en el caso de usa baquetas de punta de felpa, según las características de cada baterista.

Otros instrumentos que pueden ir en la batería son, entre otros:

  • cencerros
  • pandereta
  • cortinas
  • bongós
  • congas
  • caja china
  • octobans

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Batería electrónica



La batería electrónica consta de parches virtuales (de material no vibrante), que producen un sonido determinado programable. Hay algunos modelos que permiten tocar encima de la música o de otros ritmos ya registrados anteriormente o ya incluidos en la caja de sonidos instalada en la batería electrónica. Muchas baterías ya llevan incluidos muchos sonidos para programar en los parches y no tener que incluir ningún instrumento más.

Las diferentes partes de una batería normal son (en algunos tipos se pueden incluir más):

  • Parche 1caja
  • 2 timbales
  • 1 timbal base
  • 1 bombo
  • 2 platos (crash y ride)
  • 2 platos de hi-hat (charleston)
  • 1 pedal para el bombo
  • 1 pedal para el hi-hat.

Son baterías "alternas" que son utilizadas para ritmos contemporaneos electronicos, son muy versatiles pero muy limitadas en cuanto a sonido afinación y sensación, ya que como lo hemos mencionado anteriormente sus "parches" son electronicos y de sonido programabable y por lo tanto no brindan respuesta ni sensación muy bueno.


Técnica


La manera de tocar la batería ha ido evolucionando con el tiempo, dado a que las necesidades de los bateristas cambian, y aunado a eso, la manera de encontrar sonidos diversos con sólo tomar las clásicas baquetas, es aquí, en donde inicia este interesante apartado.

En primer lugar cabe destacar que no sólo actualemente existen las baquetas de madera para tocar, sino que también hay escobillas o escobetillas, baquetones de goma o de fieltro, etc.

A la forma de agarrar las baquetas se le llama "grip". La forma sugerida de tomarlas es: 1.- Dividir aproximadamente una baqueta normal en tes partes. 2.- Tomar la última parte (opuesta a la bellota), y cerrar la mano, tratando de que quede un espacio para que la baqueta pueda pendulear fácilmente. A este espacio se le conoce como fulcro o fulcrum.

Se emplean movimientos de dedos, muñecas, codos y brazo, dependiendo de la distancia, fuerza y técnica de cada baterista.

En los últimos tiempos, se han adoptado los estilos del grip francés y el normal, ya que su comodidad hace que sea el preferido de un gran número de percusioistas. El francés lo encontramos, principalmente en los bateristas de jazz o bossa nova aunque hay excepciones; mientras que el grip normal, se usa para balada, rock alternativo, música ranchera, estilos latinos, etc.





viernes, 14 de noviembre de 2008

Taxi - Quiero un camino

Amaia Montero - Quiero Ser

Nena Daconte - Tenía tanto que darte
















La guitarra eléctrica es un instrumento de cuerda con uno o más transductores electromagnéticos, llamados pastillas,
que convierten las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas. Hay guitarras sin caja de resonancia (guitarra eléctrica sólida) o con una caja más pequeña de lo habitual (semisólida), las que pueden contar con agujeros al exterior con formas en "f" similares a los de las cajas de resonancia de los violines y otros instrumentos acústicos.

Aunque la historia de la guitarra se remonta hacia los orígenes del ser humano, la primera guitarra eléctrica es un invento que pertenece al siglo XX. En búsqueda de un mayor poder de sonido, se creó el primer amplificador en 1920; de ahí en adelante fueron muchos los instrumentos que sufrieron alteraciones al diseño acústico tradicional y evolucionaron al diseño eléctrico. La guitarra fue uno de los primeros instrumentos que se adaptaron para amplificarse de forma electrónica, y aunque fueron varios los pioneros que aportaron a esto, la primera guitarra inventada y fabricada se le puede atribuir a la marca Rickenbacker. Los primeros guitarristas de jazz veían que no tenían suficiente volumen para competir con el resto de instrumentos de la banda, por lo que fueron quienes adoptaron estos instrumentos. Leo Fender diseñó la primera guitarra eléctrica sólida desmontable y con pocas piezas, para que los músicos no tuvieran problemas al tener que cambiar piezas del instrumento gastadas o rotas por el uso. Era el nacimiento de la Fender Telecaster. Luego vendrían otros modelos y otras marcas como Gibson, ESP Guitars o las japonesasIbanez y Yamaha.

Este instrumento fue muy usado en las operetas; sin embargo, fue rápidamente adoptado por grupos de Jazz y Blues. Su creación también permitió nuevos estilos musicales, como son el Rock, y el Heavy Metal, donde se convirtió en el símbolo de estas nuevas corrientes musicales.

En los años 90 surgió la fábrica Line 6. Esta marca, famosa por sus modeladores de efectos y amplificadores, ha creado la línea de guitarras Variax. Esta guitarra mediante un micrófono piezoeléctrico ubicado en el puente establece la comunicación con un sistema modelador que contiene los sonidos de las más famosas guitarras acústicas y eléctricas. Dentro de éstas están: Gibson Les Paul, 335, 175, Super 400, Explorer, Epiphone Casino, modelos de Gretch, Rickenbacker, las Fender Stratocaster y Telecaster así como acústicas Martin, banjos, cítara, Danelectro o dodro. Además mediante un cable de red se pueden editar las afinaciones y sonidos mediante un computador. Es una guitarra de apariencia normal con la diferencia de que no posee micrófonos a la vista. Sus modelos son la Variax 300, 500 y 700, todas esencialmente poseen los mismos sonidos siendo la diferencia mayormente en el hardware. En el 2006 la fábrica incluyó en su diseño a un bajo de similares características.

En el 2007, la compañía Gibson lanzó una nueva guitarra llamadaGibson Robot Guitar que se afina a través de un complejo sistema electrónico, sin intervención del guitarrista. Esta guitarra promete revolucionar al medio por la comodidad ofrecida a los guitarristas: por ejemplo, no se necesitará distintas guitarras afinadas en diferentes tonos durante un concierto, sino tan solo una.

Desde su nacimiento a mediados del siglo XX hasta la actualidad su importancia ha sido creciente en la música popular; su imágen a menudo es utilizada en afiches sobre conciertos y otros.


La guitarra eléctrica está formada por las siguientes partes:

  1. Clavijero
  2. Cejilla (también “cejuela” o “puente superior”)
  3. Clavija
  4. Trastes
  5. Tensor del mástil
  6. Marcadores de posición
  7. Diapasón
  8. Cuello
  9. Cuerpo
  10. Pastillas o micrófonos
  11. Perillas o controles de volumen y tono
  12. Puente
  13. Protector o golpeador
  • El cuerpo: normalmente de madera , aunque a veces de materiales sintéticos como el luthite. Aloja en la parte interior los componentes electrónicos y puede ser semisólido con una pequeña caja de resonancia. La densidad de la madera incide en el lapso que una nota permanece sostenida después de pulsar la cuerda (a mayor densidad fijan a él por medio del puente. Hay diversos tipos de puente, cada uno con características especiales que inciden en el sonido final del instrumento e incluso algunos puentes incluyen pastillas piezoeléctricas para captar la vibración de las cuerdas o palancas de vibrato (también denominadas de whammy e incorrectamente de trémolo) para variar la tensión de las cuerdas y causar un efecto vaivén en la entonación.
  • El mástil: también hecho de una o varias piezas de madera (arce, caoba,palorosa, etc.), tiene en su interior una barra de acero u otro material muy resistente, llamada alma, para contrarrestar la tensión de las cuerdas sobre él y que no pierda linealidad. Suele ir atornillado al cuerpo o bien pegado .
  • El clavijero o pala del clavijero: extremo del mástil donde las cuerdas van enrolladas a unas piezas metálicas cilíndricas con un tornillo sin fin que regula la tensión de la cuerda y por tanto su afinación.

viernes, 7 de noviembre de 2008

Conchita


Conchita es una compositora y cantante de Madrid, aunque nacida en Finlandia el 3 de marzo
de1981 . Fue considerada la artista revelación de 2007 en España. Se reconoce una apasionada de la música. Recuerda que con un teclado hacía canciones y las grababa en un casete, afición que aumentó desde que a la edad de quince años le regalaron su primera guitarra y empezó a tocarla y a practicar con ella.
Unas amigas la convencieron para subir al escenario en el año 2000 con apenas dieciocho años en la Sala Montacargas, a partir de ahí comenzó un recorrido por diferentes salas del circuito musical de Madrid junto al guitarrista Xavier Aguirre.
Se presentó a varios concursos y quedó finalista en el de La Latina. En 2001 graba sus primeras maquetas, comparte escenarios con la nueva generación de cantautores y participa en proyectos colectivos como el de los quince nuevos cantautores, lanzado por el estudio Gran Vía, compaginando todo esto con sus estudios de magisterio infantil y sus trabajos como profesora particular.
El año 2006 es fundamental en su corta carrera: una de su maquetas llega a la discográfica Nena Music, que le ofrece grabar su primer disco, que fue producido por Juan Luis Giménez y con colaboración de Antonio Vega en uno de los temas.
El disco sale en febrero de 2007 con el título de Nada más y la artista realiza una amplia gira de presentación. Entró en la lista de los más vendidos del país en su primera semana de lanzamiento. En 2008 consiguió ser disco de oro, superando las 40.000 copias vendidas.
La gira de conciertos continuará hasta octubre , mes en el que la compositora viajará aMéxico para presentar su disco.

Las canciones de Nada más son retales de mi vida. Algunas hablan de mí, otras son historias que veo a mi alrededor", dice Conchita de su primer álbum, que se publicó el 5 de febrero de 2007. Es el debut de una artista especial, de una cantante y compositora enigmática y sensible que bajo una aparente capa de ingenuidad, atrapa y seduce en la sutil tela de araña que teje con sus canciones. Minimalista, tierna , Conchita es frágil y enérgica en su voz; dulce y con un poso amargo en sus letras; con una sensibilidad especial y con una inspiración como compositora difícil de encontrar. Con un punto impredecible muy de agradecer. Siempre original en su manera de componer, de hacer caminar las melodías.
Nada más ofrece 13 canciones que buscan el encantamiento desde la naturalidad espontánea porque, como dice Conchita "creo que lo que hago es bastante sencillo, sobre todo las letras. Intento contar las cosas de una manera fácil, para que cualquiera se pueda sentir identificado. Son canciones de todos los días, que explican situaciones que le pueden haber pasado a cualquiera. Muchas son autobiográficas pero procuro no contarlas de una manera demasiado subjetiva". especial en la canción Y ahora que ("He logrado uno de mis sueños", dice Conchita), Nada más no es comparable al trabajo de otro artista. Hay que escuchar las canciones de Conchita para apreciar un mundo especial, de una sensibilidad un tanto melancólica, casi abandonada. "Compongo para mí. No pienso en la gente ni en lo que quiero transmitir", dice:
Me miras, sonríes y no sé si acercarme; quisiera desnudar tu pensamiento y lograr entenderlo". Es el comienzo de Tres segundos, primer single y canción que abre el álbum. Comienza con sonoridad de guitarra española y piano eléctrico; entran metales arreglados con elegancia que desembocan en una improvisación de saxo tenor, coros que juegan con tenues disonancias, una voz como suspendida... Algo distinto.
















Las armonías y la línea melódica de
Tres segundos suenan nuevas con frescura
y riesgo, siempre diáfanas,arropadas con una instrumentación muy poco cargada, justa, precisa.Es la tónica de un álbum que continúa con Puede ser ("Y debe ser que pienso igual que ayer pero del revés; todo se ve más claro, más fácil, no sé. Las cosas se van ordenando solas, sin querer"), una curiosa mezcla de guitarra española rumbeada con una eléctrica con trémolo. Es el lado más luminoso de Conchita, que se sumerge en la melancolía en Nada que perder ("Nunca se me dio demasiado bien poner las cartas sobre la mesa") en un tiempo medio cálido y sentimental. Promesas ("Y todos y cada uno de los días te hago un funeral en vida, olvidando aquello que iba mal y recordando aquello que no hacías") es una canción de añoranza, algo inseparable de las canciones de Conchita siempre bañadas de melancolía





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Conchita se presenta con Nada más, su primer álbum. 13 canciones y una sorpresa escondida. Llega una artista que ofrece su música con una sensibilidad especial por diferente y con una naturalidad pasmosa. La misma naturalidad con la que se planta ante su nuevo futuro: "No sé donde llegaré. Por el momento he cumplido un sueño, que no es poco. Sólo sé que me gustaría poder dedicarme a esto, vivir la música"





jueves, 30 de octubre de 2008

jueves, 9 de octubre de 2008

Nelly furtado - Say it right