Nació en Ucrania bajo el dominio de la antigua Rusia zarista, pero se trasladó desde muy niño a San Petersburgo y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la revolución rusa se traslada a Berlín, donde sigue su carrera meteórica. Años más tarde se traslada a Nueva York y finalmente tras el crack del 29 a Hollywood.
Si su nombre no resulta conocido, su música y canciones son más conocidas, principalmente High noon la canción de Sólo ante el peligro o O.K. Corral de Duelo de titanes.
Durante los años de la Segunda guerra mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto.
En uno de los oscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras y agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach,.....
Fue nominado en 15 ocasiones al oscar y ganándolo 3 veces por Sólo ante el peligro (1952), The high and the mighty (1954) y El viejo y el mar (1958).
Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto a una pieza musical completa, como a un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento es conocido como «forma sonata».
La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o más instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.
En la época barroca, el término sonata se utilizó con relativa libertad para describir obras reducidas de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces. Sin embargo, la sonata barroca no está definida por una forma específica de su argumento musical.
En la época de Arcángelo Corelli se practicaban dos formas bajo el nombre de sonata: la sonata da chiesa, habitualmente para violín y contrabajo, compuesta habitualmente por una introducción lenta, un allegro a veces fugado, un cantabile y un final enérgico, en forma de minuet; y la sonata da camera, compuesta de variaciones sobre temas de baile, que desembocaría en la suite o partita. Sin embargo, ambas formas se combinaban libremente, y no sería hasta la época de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel en que la forma de la primera adquiriría cierta estabilidad. Entre las obras de Domenico Scarlatti y Domenico Paradisi, por ejemplo, se encuentran cientos de obras llamadas sonatas compuestas en sólo uno o dos movimientos, muchas veces de gran vigor y complejidad de ejecución. La mayoría de estas sonatas están compuestas para clavicémbalo y otro instrumento, habitualmente flauta o viola.
A inicios de la época clásica pasó a reservarse el nombre para obras de un instrumento o un instrumento y piano, concebidas de acuerdo a una estructura de tres o cuatro movimientos en los que el tema musical se introduce, se expone, se desarrolla y se recapitula de acuerdo a una forma convencional. Los nombres de divertimento, serenata o partita siguieron en uso hasta alrededor de 1770, pero a partir de Haydn cayeron normalmente en desuso. Al mismo tiempo se popularizaron los nombres de trío y cuarteto para las piezas con tres y cuatro instrumentos respectivamente.
Las sonatas de Haydn se estructuran en un allegro, en que el tema musical se muestra y desarrolla brevemente, un segundo movimiento más pausado —muchas veces andante o largo, aunque ocasionalmente se empleó el minuet— en que el tema se desarrolla extensamente mediante técnicas orquestales, y un movimiento final —nuevamente allegro o aún presto— a veces planteado como un rondó, en que se recapitulaba el desarrollo orquestal prescindiendo de las modulaciones. En algunos casos se utilizó un esquema de cuatro movimientos, incluyendo tanto el minuet como el andante en el desarrollo temático.
Este último esquema predominó en la época considerada canónica de la sonata, con su desarrollo con Ludwig van Beethoven. El desarrollo en cuatro movimientos se había extendido ya para los cuartetos y las sinfonías.
Movimientos:
Allegro de sonata: el primer movimiento es un alegro complejo (en «forma sonata» propiamente dicha), dotado o no de una introducción lenta. Está formado por tres secciones: exposición, desarrollo y reexposición.
La exposición consiste de dos temas, el primer tema «A» esta en la tonalidad principal de la sonata y el segundo en una tonalidad vecina (para sonatas en tonos mayores por lo general al quinto grado y en tonos menores al tercer grado o relativa mayor). Entre el tema «A» y el «B» hay un puente sin mucha importancia melódica que modula de una tonalidad a la otra. Tras el tema «B» hay una coda de la exposición en la que se puede volver a la tónica inicial o mantenerse en la tónica secundaria propia del tema «B».
El desarrollo tiene una estructura libre, pero podemos decir que el compositor toma algunos de los dos temas, o ambos o partes de los mismos y los somete a innumerables procedimientos compositivos, jugando con ellos. Es el momento de mayor tensión de la obra en donde se producen más cambios armónicos y hay una cierta inestabilidad tonal.
La reexposición sucede cuando el compositor vuelve a presentar los temas completos y ambos en la tonalidad principal. Era muy común que para finalizar el movimiento el compositor añadiera una coda, lo que tuvo una gran repercusión en el concierto dando origen a la cadenza (Recordemos que el primer movimiento del concierto también utiliza la forma sonata).
Movimiento lento, andante, adagio o largo, que puede tener diversas formas como suite o lied;
Movimiento en forma de danza, minuet o a veces scherzo;
Un nuevo allegro, menos formalmente estructurado que el inicial allegro da sonata o puede tener otras formas como el rondo-sonata que es una combinación de la forma rondó con la forma sonata explicada para el primer movimiento;
La fijación de esta forma, sobre todo a través de las numerosas sonatas de Beethoven, influyó profundamente en la época romántica, cuyos conservatorios codificaron la práctica. La noción de la estructura formal se tomó como paradigma de otros géneros, llevando a considerar, por ejemplo, la sinfonía como una «sonata para orquesta». Chopin, Mendelssohn, Schumann, Liszt, Brahms y Rachmaninoff hicieron extenso uso del principio teórico de la sonata en composiciones famosas.
La «forma sonata», además de en las sonatas propiamente dichas, se encuentra también en diversos tipos de composiciones musicales, tanto las Sinfonías como los cuartetos o los conciertos, etc., cuentan con partes escritas utilizando la típica forma sonata de exposición de dos temas en tonalidades vecinas, desarrollo de ambos, y reexposición de los dos temas en la tonalidad del primero.
Cuanto mayor y más compleja es la formación instrumental para la cual el compositor escribe, mayor y más compleja y flexible suele ser la aplicación de esta «forma sonata», producto de las exigencias propias de componer para agrupaciones instrumentales importantes, y de la exigencia requerida.
La aplicación de la forma sonata a grandes grupos orquestales como es el caso de algunos movimientos de las sinfonías, es habitual el aplicar esta «forma sonata» a piezas de reducidas dimensiones a las cuales se llama sonatinas.
Las diferencias entre una sonatina y una sonata no son estructurales, ya que ambas, en su versión clásica, suelen respetar un mismo patrón, sino que se encuentran en su extensión y sus aspiraciones. La sonatina suele ser una pieza breve o muy breve que muchas veces no llega a los tres movimientos, y cada procedimiento compositivo se encuentra presentado sin alardes de complejidad.
A pesar de estas señas que aparecería como sencillas de descubrir, es cierto también que hay casos como, por ejemplo, la conocida y bellísima Sonata en do mayor (KV 545) de Mozart en los que la frontera entre sonata y sonatina está difusa, y hay que guiarse o confrontar al autor para comprobar frente a qué tipo de pieza musical está uno frente.
Antonio de Cabezón (Castrillo Matajudíos (Burgos), 1510 - Madrid, 26 de marzo de 1566). Compositor español del Renacimiento , conocido como el Bach español.
Quedó ciego de niño, probablemente a los ocho años, circunstancia adversa que no le impidió cursar brillantemente estudios musicales. Tuvo siempre una gran vocación musical y por eso se trasladó a Palencia donde se encontraba García de Baeza, organista de la catedral, con quien continuó sus estudios. Llegó a ser músico de cámara de Carlos V y años más tarde lo fue también de Felipe II. Hizo varios viajes por Europa, siempre con la Corte, hecho que aprovechó para conocer a los grandes músicos de las escuelas europeas. El compositor francés Josquin Des Pres influyó bastante en el estilo polifónico de Cabezón a la vez que éste influyó sobre aquel en sus variaciones. Fue un buen compositor independientemente de que fuera ciego.
Se dedicó sobre todo a la música para teclado. Trabajó y desarrolló nuevas formas como las glosas de romances (adaptaciones para teclado de obras polifónicas de otros compositores), las diferencias (variaciones sobre canciones y danzas francesas y españolas) y los tientos (motetes instrumentales basados en la imitación). También compuso algunas piezas litúrgicas.
Doce años después de su muerte, su hijo Hernando de Cabezón publicó su obra. Llevó el título de Obras de música para tecla, arpa y vihuela (instrumento de cuerda) de Antonio de Cabezón(1578). Con anterioridad, Luis Venegas de Henestrosa había publicado en Alcalá de Henares el Libro de cifra nueva para tecla, arpa y vihuela (1557) que incluía 40 piezas de Cabezón. En el año 1966 se publicó en Barcelona una nueva edición debida a Higinio Anglés que no estaba completa y años más tarde la musicóloga María Asunción Ester Salas publicó otro tomo con las obras que faltaban.
En su pueblo natal de Castrillo Matajudíos tiene dedicada una placa en la plaza Mayor. La casa donde nació se conserva y se puede visitar.
Obras
Diferencias sobre la canción "La Señora le demanda".
La vihuela es un instrumento cordófono de forma en 8, parecida a la guitarra actual, aunque la iconografía española, italiana, portuguesa e incluso japonesa, nos muestra vihuelas con escotaduras, del tipo violín. Su fondo es plano, abombado o abombado y acanalado como la vihuela del Museo de la Música de París. Cuenta con cinco, seis o siete órdenes (pares) de cuerdas que se cree se afinaban al unísono. Las cuerdas eran de tripa ya que las cuerdas entorchadas con metal no aparecieron hasta mediados del siglo XVII. Su tamaño era variable, las más pequeñas afinadas en La y Sol y las mayores en Fa Mi y Re. Generalmente es aceptado que la primera cuerda era simple, al igual que la "chanterelle" del laúd, si bien hay vihuelistas que usan todos los órdenes dobles.
La vihuela alcanzó su máximo esplendor en la Península Ibérica durante el siglo XVI, en un ambiente cortesano y bajo el amparo de las capillas musicales de reyes y nobles. Su ámbito no quedó reducido a la península, máxime teniendo en cuenta los continuos viajes de los reyes Carlos I de España y V de Alemania y Felipe II de España (y consecuentemente sus capillas musicales) por toda Europa. Si repasamos los inventarios de instrumentos musicales en las cortes españolas (Reyes Católicos, María de Hungría, Palacio Real), observaremos una evidente presencia del laúd, que en España era conocido como vihuela de Flandes, lo cual nos hace pensar en una convivencia de ambos instrumentos en las capillas españolas del siglo XVI.
Vihuelistas Españoles (S. XVI) (1990), es un álbum doble grabado por Jorge Fresno tocando la vihuela en sol con obras de Esteban Daza, Luys de Milán, Enríquez de Valderrábano, Alonso Mudarra, Diego Pisador, Miguel de Fuenllana y Luis de Narváez. Pertenece a la Colección de Música Antigua Española de la discográfica Hispavox.
Luys Milán: Libro de música de vihuela de mano, intitulado El maestro, Valencia 1535-1536.
Luys de Narváez: Los seys libros del Delphin de música de cifras para tañer Vihuela, Valladolid, 1538
Alonso Mudarra, Tres libros de música en cifra para vihuela, Sevilla, 1546
Enríquez de Valderrábano: Libro de música de vihuela, intitulado Silva de Sirenas, Valladolid, 1547
Diego Pisador: Libro de música de vihuela, Salamanca, 1552
Miguel de Fuenllana: Libro de música para vihuela, intitulado Orphenica Lyra, Sevilla, 1554
Juan Bermudo, Declaración de Instrumentos Musicales, Ossuna, 1555
Thomas de Sancta María, Libro llamado Arte de tañer Fantasía, Valladolid, 1565
Esteban Daza, Libro de música en cifras para vihuela, intitulado El Parnaso, Valladolid, 1576
Antonio Cabezón, Obras de música para tecla, arpa y vihuela, Madrid, 1578
Y aquí estoy en mi esquina favorita recordandote y echandote de menos, cada palabra que apunto es un suspiro y cada suspiro un minuto de respiración que me quitas.Apunto frases cortas en mi diario con un sentido explendido, aquel día que esta aún por llegar a de ser el mejor día que hayas tenido nunca, y el mio tambien puesto que estaré a tu lado.
